Todos los caminos llevan a nada

Con la proliferación ridícula de programas en los medios sobre la casi ya cerquita exterminación humana, carajo, ¿tienen algo que decirnos que no sepamos? The Road (llegando tardíamente a la ciudad del sol como muchas otras) adaptación del libro de Cormac McCarthy, escritor de No Country For Old Men, impone una visión muchas más desganada que catastróficas películas como 2012 y El Día después de mañana, esto, para confirmar no se menciona de manera negativa. La civilización como la conocemos ha sido mutilada, instituciones, sistema de organización y nuevos valores han salido a las calles desoladas, edificios vacíos son centinelas de caminantes incansables en busca de algo, no mejor, sino solo algo.

Claro está, son solo suposiciones que uno hace ya que el director no se molesta en describir algo que es más que obvio. Hillcoat re direcciona su visión en un objetivo perdido de la historia que es la caracterización y humanidad del padre e hijo, papeles que intercalan en cuanto a autoridad a lo largo de la película. El tono en que creo que puede emular es Blindness y aún así, The Road crece en decadencia.

Un padre al punto del quiebre moral y humano en cada segundo que pasa teniendo de soporte a su hijo que no duda en mostrar un ápice de bondad o empatía al prójimo por extrema que sea la situación, donde el padre apunta con un arma a la cabeza de su hijo en caso de ser descubierto por una banda de caníbales, el niño no pierde la esperanza al preguntar ¿Te volveré a ver?

Es un simple andar y evadir, andar y evadir; recolectar, seguir, hacía el sur dicen ellos, siempre hacía el sur. Como si la palabra fuera la apertura de una nueva vida, al menos para soportar el frio y dejar de lados amargos recuerdos que han reemplazado los coloridos y cálidos momentos en familia.

Un punto de vista interesante es cuando el padre fuma frente a su hijo después de un festín encontrado por suerte en una casa desolada ¿Te parezco de otro mundo cierto? El rostro del hijo es evidente, ha crecido en un mundo ultrajado y usado, el heredero de todas las suposiciones que fueron conclusivas a fin de cuentas, de las advertencias, hipótesis y del ¿Qué pasaría si...? Son dos mundos apartes fusionados en uno herido y sofocado, con toda su incolora visión.

Similar a Blindness, The Road no especifica lugares característicos, aunque siempre esta presente las leves tomas al mapa para aquellos quisquillosos, la ambigüedad toma parte esencial al mencionar la costa como el escenario decisivo para la pareja y su redención.

Como fue mencionado, The Road se apoya en lo visual de una manera peculiar, caminos vacios, desechados, encuentros amargos, rostros cansados. Combinando tonalidades frías y ángulos de cámara buscando formar lúgubres postales de “Lo que alguna vez fue”, la película nos lleva a un buen sendero visual y humano por muy bajo que se vea para admirar una obra bastante completa, a diferencia de los protagonistas.

The Road (2009)
Dir. John Hillcoat

Bother yourself with this

La escena inicial es prometedora, y la sola imagen causa sentimientos encontrados, una pareja besándose severamente, con los ojos firmemente abiertos con todo y ruidos, pudiendo casi salpicar al espectador, se encuentran expuestos a Andreas, un hombre con clara expresión de desconcierto ya orillas de las vías del metro. La pareja no emite expresión alguna más que el solo contacto para satisfacción de necesidades pueden traducirse como mecánicas y no primarias.

Después, una gasolinera empolvada, con sólidas huellas de que el tiempo ha pasado como un fantasma y único compañero, un lugar desolado y un camino que parece no tener fin es lo primero presentado en pantalla que actúa como un primer escenario esperando la presencia de un hombre con barba, gorra, claramente demacrado sin alguna explicación de por medio y con seguro desconcierto.

Escena siguiente, su vida ha sido acomodada estructuralmente para dar paso a otra mucha mayor, una pieza más en el ensamble de acomodo perfecto, un engrane más en ese ensamblaje de colores neutros, líneas definidas en cajas decoradas cual paraíso de Ikea. Todo está limpio, pulido, sólido y sin rebabas de por medio que desalineen tal estructura.

A partir de aquí The Bothersome man (Jens Lien, 2006) empieza el viaje no para llegar al fondo sino salir de él, en este mundo, las convenciones sociales, los nuevos estilos de muebles, el conformismo rampante y la vacuidad toman gran parte de sus habitantes, hay un solo camino, un solo carácter, una sola posición, no hay curvaturas, no hay un descenso a un interior ya que lo han sobrepasado y no hay nada más allá, La utopía se ha encontrado no queda más por que luchar.

Sedados por el sentir del tiempo como lo confirma la translación de la cámara son expuestos a Andreas, el nuevo habitante de la ciudad del nublado perenne, la exasperación le ha llegado, quien parece un ser de otro mundo al presenciar lo establecido y lo que difícilmente podrá cambiar, las interrogantes aparecen ¿qué es lo que lo diferencia de los demás? Quizás fue la postal fuera de su oficina del hombre muerto con sus vísceras colgando, la nula expresión de su novia frente al sexo, el par de veces cuando fue arrollado por el metro, la mutilación de su dedo, los sacrificios realizados para esa nueva chica en el trabajo con la esperanza de un cambio o el claro esfuerzo por pertenecer a tan cancerígeno círculo de amigos, cortados con la misma guillotina. La hermosa fotografía de la película al capturar la naturaleza muerta es lo único vivo de aquí.

Andreas se fija en una luz en una ventana oscura, bajo un edificio, una corazonada le dice que existe una luz diferente a la eterna blanquecina que lo cubre todos los días, atrás de esa pared de concreto escarba con dócil éxito, su brazo es el afortunado, siente el calor del sol, escucha risas de niños, toma por accidente un pedazo de pastel antes de jalado por los neutralizadores de la ciudad, el agujero es tapado. Tal como Andreas.



The Bothersome Man
Noruega, 2006
Dir. Jens Lien

Mother (2009)

- Madre sobreprotectora

- Hijo preso acusado de asesinato

- Víctima misteriosa

Estos elementos son los iníciales para dar pie a un thriller sumamente diferente al que me encontraba acostumbrado, Mother encuentra más su vía por los caminos rurales, lluviosos y abiertos de una pequeña comunidad en Corea que en calles angostas, edificios sombríos y aquellos personajes lúgubres típicamente presentados.

Claro está que Mother no se trata de una película con grandes cantidades de ligereza narrativa, desde el prólogo, podemos dilucidar una densa telaraña por venir al contemplar a Hye-ja (la madre) danzar en un campo con extasiada liberación al inicio de la película, silencio, un aire suave de indiferencia con ojos extraviados y es tan solo el principio.

Una joven aparece muerta aparece en la azotea de un edificio abandonado y las pruebas apuntan a Doo-jon, un joven que padece ciertas deficiencias mentales que, en un extraño giro para ser reconocido en su comunidad se adjudica ciegamente el crimen. La madre, incapaz de creer en tal confesión se da a la tarea de investigar por su cuenta el crimen omitiendo a las autoridades.

La travesía de la madre por la verdad da la oportunidad a Bong Joon-ho (al igual que en The Host) de orquestar situaciones que bien podrían caber en distintos géneros, a la vez de ofrecer sin tantos problemas suposiciones sobre la entregada culpabilidad de su hijo. El microcosmos presentado, con todos sus personajes es familiar, todos se conocen y saben algo uno del otro, sin embargo el misterio se mantiene enfático en todo momento sin desenfocar la obsesión de la madre por saber la verdad, adentrándose en situaciones absurdas y sórdidas que van desde abogados, vagabundos, ladrones y hasta chicas de secundaria. El desesperante comportamiento de su hijo agrega puntos al momento de saber que la madre encuentra oposición en cada situación que se le presenta.

Visualmente, es en mi opinión un tanto inferior a mi única referencia que tengo con el director que es The Host, una fotografía que se mantiene estable pero sin salir de lo convencional difiriendo con el punto fuerte de la historia que se encuentra en el guión y las actuaciones. La actitud única de Hye-ja ante su hijo rayando en lo sensual así como la preocupación por su bienestar nos acompaña en un tipo de incómoda ternura que no hace más que sintamos empatía por la titánica labor de la madre por descubrir la verdad.

Aún con sus predecibles secretos a relucir, Mother da una lección de cómo un thriller contemporáneo puede alejarse de aquellos clásicos escenarios urbanos encontrando una identidad propia con una relación tan básica como lo es el amor de una madre por su hijo.

Hype! - Doug Prey

El fin de semana pude, después de largos días de retraso encomendarme al documental grungesco y sonidero de Seattle (aunque les duela) Hype!, en primera instancia, un buen fan de la música noventera creo yo debería empeñarse en verla y no por que englobe la música de esa época, pero, definitivamente es un retazo importante en la cultura pop que no debe dejarse de lado.

En sí, la película es una queja de sus protagonistas, actores principales del movimiento, porque si decían “escena” se enojan de cómo el mundo mediático y la mal información del público termino por deformar la esencia de lo que se encontraba sin querer.

La ciudad de Seattle se justifica diciendo que no había absolutamente nada que hacer, aún cuando es el mejor lugar para vivir, por lo tanto todo mundo hacía una banda y como todo quedaba en familia, el público, los dueños del lugar y los grupos eran solo extras que intercambiaban lugares para cada tocada. La geografía y el entorno una vez más toman lugar, aunque no mencionado como debería en cuanto a la esencia de las letras y la música, música rasposa que evoca un tronco aserrado, aquel frio del noroeste de E.U embadurnado con bosques y casas desgastadas con calles mojadas no daban mucho lugar para empezar con ritmos tropicales.

El resultado es una visión desinteresada en un porvenir, con letras tontas (no estúpidas) sin interés en la mode en vogue maintream con riffs básicos, combinación de heavy y punk y camaradería en general, la vuelta de tuerca es cuando todo esto se volvió contra sus creadores y el pequeño monstruo empezó a salir en catálogos de malls, anunciando la moda grunge, las franelas, lo hip que era sentirse aislado, las bandas que se juntaban hace 6 meses y tenían contrato discográfico, la creación de un nuevo alzamiento en la música comparándolo con ciudades claves en la historia del rock: Liverpool, Nueva York, Los Angeles, la creación de festivales basándose en un nombre y género que aún no se comprendió en su totalidad y el nulo reconocimiento de otras bandas experimentales que no se cerraban a 3 riffs.

Los que todos conocemos están aquí, pero lo interesante es ver los que se encontraban tras bambalinas, su modo de ver el fenómeno Seattle y su apatía en ciernes desembocando en ese broche oxidado que todos conocemos que fue el suicidio de Cobain.

Es interesante ver a la gente ironizar sobre todo esto, un fundamento clave que mencionan repetidamente es el humor con el que las bandas se afirman a ellas mismas en un recorrido que va desde el garaje hasta el Nirvana que todos buscan llegar, explicadas por un pretenciosísimo Eddie Vedder reafirmándose como vocalista y no como buen entrevistado.

La película cierra con una línea muy elemental y en forma de respuesta a lo visto hora y media atrás: “Hemos estado haciendo lo mismo desde 1985 y la gente nos odiaba, ahora gustamos y no sé por qué”

Solo es hype mi estimado Osborne.

Antichrist - Lars Von Trier

El peligro de escribir sobre una película de un director tan potente como Von Trier es el riesgo de solapar la persona con su trabajo, en este caso Antichrist encuentra su “de que hablar” combinando su sustancia con el mismo personaje que lo creo.

Porque Antichrist es un trabajo de terapia que el director vomito a causa de su estado depresivo, el cual se auto impuso y no tiene reparo en ventilarlo, ni de auto nombrarse “el mejor director del mundo” después de haberse dicho que era “una mierda” porque es Von Trier, por estas implicaciones perpetuas, pasamos mejor a las imágenes en movimiento.

Una pareja (un terapista y una escritora) pierde a su hijo mientras hacen el amor, esto, por resolución convencional los lleva a una depresión la cual tratan de escapar adentrándose a la naturaleza, un bosque el cual provoca terror inherente a la mujer y no puede escapar de ella, pero es parte de la ayuda para superar el trauma. La pareja ya en Edén (el bosque) , tejen una relación de ayuda mutua mezclando corrientes científicas y mezcla de carne, de aquí vemos filosofía pura, reflexión, violencia , sexo, instinto, deseo y pasión.

La atmósfera y el entorno son pesados, densos, no da concesión acerca de una visión mejorada, neblina que cubre la existencia, tal como de los protagonistas, referencias religiosas que pululan en el ser de la pareja tratando de subsistir en ese infierno personal. Y no es simbología rebuscada, es plenamente trémula, una referencia a Adán y Eva corrompidos, consientes de su naturaleza a causa de un pecado (que luego se nos revela por parte de la mujer) donde la culpa carcome su mundo. El caos reina.

Decir que esto es una reseña es una falacia ya que en unos cuantos párrafos no podría señalarse el nivel lírico y atmosférico que en esta película (ciertamente provocadora) abarca, elementos del cine de horror, la violencia, el gore, los espacios cerrados, la amenaza presente pero también una exploración a la depresión, ansiedad y la desesperación.

El filme evoca tantas cosas que van desde el placer y perdiéndose en una estructura teológica compleja. Pinturas que parece cobran vida frente a nuestros ojos (sensación símil que no veía tan fuerte desde Nostalgia de Tarkovsky que, en lo personal la dedicatoria de esta película estuvo de más) no es algo para cualquiera, ni siquiera para los avanzados. Pero el director logro su cometido, con creces, su película fue discutida, muchos ni siquiera aspiran a eso.

"La naturaleza es el hogar de Satán” nos recuerda ella, es por eso que la suya propia debe de ser cortada, de raíz.

District 9

Debo decir que la atención era nula al momento de acercarme a esta película (ya sea leyendo o escuchando sobre ella) simplemente "no se me daba". Aún así, la atención aletargada tomo un giro cuando empezaron hablar en bajito personas de diferentes gustos que me hacían extrañar de su encanto.

Al verla fue una grata sorpresa, y mucho mas disfrutable que al saber nada de ella me sorprendían los giros que iba descubriendo, unos sutiles unos no tanto. Su presentación es excelente, aunque la reiteración al estilo documental ha incursionado en cuanto género posible, dentro de la ciencia ficción toma rumbos (irónicamente más creíbles) más apegados a la realidad.

Retratando agresivamente el tema de la segregación, xenophobia y el racismo, District 9 nos muestra como una colonia de extraterrestres quedan varados en el cielo sudafricano (Tierra del director, Neill Blomkamp) hasta que llegan los terrícolas para acomodarlos en distritos apartados de la urbanidad. Los problemas naturalmente llegan a causa de la poca atención de las autoridades terrestres de incluir a los nuevos vecinos en nuestra sociedad; hasta que los jugadores de casa se hartan y piden una solución rápida y agresiva: la re locación total de los bichos fuera del alcance de los ojos humanos.



El cientifico Wikus Van de Merwe sirve de "comodín" para ambos razas y es usado como peón de una de las lecciones más sencillas de la película, la tolerancia. Como la sobrellevamos y nuestra forma de enfrentarla en situaciones extraordinarias. Pero nos e trata solo de moralinescos párrafos, los amantes de una violencia inteligente y justificada (en pantalla, disculpen puristas) tendrán su dosis con algunos guiños a la cultura de los videojuegos y los disparos reglamentarios, modificación genética, armas especiales (aunque sin tanta jerga técnica científica).

La película va más al lado bando alienígeno, el tratamiento de como volver a casa y las obvias dificultades que representa. Logra un buen balance en cuanto a ciertas decisiones morales que le presenta al espectador en tratar de comprender cuál es la mejor solución para un problema que si bien enterrado, solo falta una ligera barrida para salir con mas fuerza como es el racismo. Película sumamente recomendable que sin querer dispara de forma suavecita un tema gastado y empolvado, pero llevado aquí de manera fresca.

Zack and Miri Make a Porno (2008)

Zack y Miri son 2 amigos treintañeros que viven apenas con un sueldo ínfimo, comparten la renta y mantienen una relación lo más cercana a dos hermanos, todo va bien relativamente hablando, hasta que son invitados a una fiesta de graduados de secundaria. Motivante perfecto para los gringos y realizar un agente de cambio, la gran mayoría de sus compañeros han avanzado en lo que común y socialmente se le llama progreso laboral y sentimental. Preocupados por la dirección en lo que va su vida (y el pago de la renta) deciden algo drástico después de conocer a un opulento par de actores de pornogay: realizar una película pornográfica amateur para salir de sus deudas.

Con un buen inicio en la historia y los suficientes argumentos para desarrollar gags efectivos, Kevin Smith reúne a personajes de característica irreverencia de su filmografía para jugar con la audiencia frente a momentos incómodos, diálogos ingeniosos y decisiones morales frente a situaciones desesperadas de los protagonistas.

Abarcando ementos tan en boga en nuestros días como el uso del internet, videos y el “user-generated-content” versión porno, el guión trabaja bien la primera mitad en el conflicto de los protagonistas y los avatares para llevar a cabo la producción (una parodia de La guerra de las galaxias llamada Star Whores). Sin embargo vemos el pronóstico hacia el inevitable conflicto amoroso que se recurre cuando Miri y Zack les toca hacer su “escena” y las consecuencias de intercambiar parejas dejando entrever los verdaderos sentimientos de cada uno.

¿Hay maldiciones? Claro que sí, estamos hablando de Kevin Smith, ¿Escatologías? Lo mismo ¿Sexo? Si y mucho pero llega al punto donde te tomas el tiempo si lo que ves es ofensivo o justificable por lo tanto, no es gratuito (bueno, quizás un poco). Que, probablemente esa sea su mayor virtud, sacar a relucir los tópicos "sucios" como el sexo, la desnudez, lo escatológico y aquello que vivimos en la vida cotidiana al convivir con una pareja sin quitar lo "romantico" de la situación.

Puntos extras al director de realizar algo diferente a los convencionalismos de las comedias románticas sin dejar totalmente todas las bases (hasta el personaje gay tenemos acá) que sin embargo cae en el error de mantenerse a respuestas que vienen con el paquete dejando un línea algo predecible pero disfrutable al cuestionarnos que tipo de película acabamos de ver.

Slumdog Millonaire

Danny Boyle ya ha dado pruebas fehacientes de que los géneros le va y viene, para un servidor que todavía se lamente no haber visto la recomendadisíma Sunshine se está volviendo un director para ponerlo en el radar próximamente (si, no lo tenía todavía).

Slumdog Millonaire se erige como un tributo a las películas de Bollywood que igual puede compartir un argumento revisado hasta el hastío como es el tema de alcanzar el amor verdadero como frases que llegan a la médula como lo es “es el destino, el estar juntos” o quizás sea un pinche amargado.


El punto es que la película promete pero reconoce que es un ente extraño en la carrera por el Oscar. Es una película británica filmada en idiomas inglés e hindi con un reparto casi nulo en los reflectores de los medios pero con una producción impecable.

El argumento inicial puede ser algo confuso y que lleva a preguntas hasta el más superficial del espectador lo cual es un efectivo gancho que atrapa, un chico pobre de barrio que esta a segundos de volverse millonario en un programa de concursos. Esto es solo la premisa inicial, el background es la sustancia jugosa, Boyle construye pequeñas historias en medio de cada pregunta para relatar la experiencia del protagonista, esas respuestas que vemos en nuestra convencional vida diaria (llena de violencia o no) que sin embargo ayudan a avanzar en el juego de la vida (ugh!), con esto en mente no nos percatamos del blanco del director que es el amor. Así, derechito.

Pero la película cumple, y con creces, una grandiosa fotografía, un gran soundtrack, un casting hecho para derretir corazones (en especial las escenas con los niños), una galería de personajes y ambientes característicos de la India no precisamente para el turista (como la memorable y escatológica escena del baño portátil) comparten la violencia, los conflictos sociales, la delincuencia y la reiterada explotación infantil se encuentran, si bien , no en forma de denuncia, lo suficiente para que no la pasemos desapercibidas y sin escuchar un discurso moralista de parte del guión.

Fincher, Van Sant, Boyle… Howard y Daldry ya chole. ¿Y Lumet?

Repo! The Genetic Opera o Musical-sci-fi-gore-shakesperiano-con-Paris-Hilton

Con un poco mas de marketing, es probable que esta película sea el nuevo culto de los adolescentes darkies y góticos destronando al buen Burton de su categoría de cool oscuro.

Repo! Es un objeto extraño, un resultado bastardo entre un musical, películas clase B y una iluminación que haría babear a los amantes del barroco, lo gótico y el metal-glam. A la vez de ser una buena crítica contra el sistema médico estadounidense retratando a GenCo, una empresa encargada de la compra-venta de órganos para sus clientes que pueden conseguir en cómodos pagos sin necesidad de vender su casa. Esto es claro, si no viene un Repo! Para cobrar la deuda pendiente sacándote la médula espinal por ejemplo.

Lo arriba mencionado sería la premisa básica de la película pero los escritores incorporan a la trama una historia familiar de venganza, traición y vueltas de tuerca en un mundo dominado por las grandes corporaciones, las drogas y la adicción a la muerte.

Dado el status, la película ya es una obra de culto que los amantes de lo grotesco, exagerado y el gore no pueden dejar pasar para platicarlo en una linda tarde de café con los amigos, fantasías fresas aparte, la película falla en algo esencial, el guión diálogos aburridos y sacados de la manga solo para hacer que rimen con la canción que se encuentra en el momento, porque no hay momento, ni minuto en que no se cante, NO HAY.

Con esto, aún cuando la película trate de ser seria (a su modo) la historia de telenovela termina predeciblemente con la tragedia que vemos venir kilómetros atrás y sacando las conclusiones que ya sabíamos con los personajes, Repo!, su hija, el malvado jefe corporativo, la madre muerta, en fin.

Una obra peculiar sin duda que a lo que más aspira es presentar precisamente eso, un ente extraño dentro de la cinematografía para tomarla como un souvenir de lo que puedo ser un excelente agregado al género del gore. Además Repo,no da tanto miedo. Buh.